PREMIO LUNA DE VALENCIA: CHUS GUTIÉRREZ

Chus Gutiérrez pertenece a la generación de directoras que, a principios de los años 90, abrieron camino a la consolidación de la presencia de las mujeres como directoras de cine en España. En sus películas las mujeres han sido siempre protagonistas y en su heterogénea filmografía siempre asoma una mirada femenina sobre el mundo. Esta mirada articula todo su cine, desde películas con algún toque autobiográfico como  Sublet, donde una española se busca la vida en el duro New York de los 80, o como El Calentito retrato de la movida y la transición política a través de un pintoresco grupo de rock femenino, hasta Alma Gitana o Retorno a Hansala donde se mete en la piel de personajes pertenecientes a sociedades donde las mujeres están claramente discriminadas. Pasando por retratar las complicadas relaciones humanas, en cintas como Poniente o Insomnio. Sin olvidar la divertidísima Sexo Oral, un documental que aborda muchos tabús sobre el sexo, con una mirada totalmente fresca y rompedora. Chus se ha movido en el bajo presupuesto y en el acomodo de las grandes cifras, en la autoproducción y también ha trabajado con las productoras de primera fila. Pero siempre lo que quería contar ha estado por encima de todo. Desde hace muchos años lucha por la normalidad en la incorporación de la mujer en todos los ámbitos de la sociedad. Por todo ello creo que Cinema Jove ha acertado dedicando esta retrospectiva a Chus Gutiérrez, siempre talentosa, siempre auténtica y combativa.

———————————- LUNA DE VALENCIA AWARD: CHUS GUTIÉRREZ

Chus Gutiérrez belongs to that generation of female film directors who, as a stakeholder in the early 90s, consolidated the path forward for women aspiring to that profession in Spain. We find in her filmic creativity that women are always protagonists and her diverse works reflect a feminine vision and understanding of the human condition. This perception is an undercurrent in her entire filmography including the film Sublet with nuances of autobiography; the work explores the trials and tribulations of a Spanish girl fending for herself in the tough New York of the 80s. Her approaches are diverse; in El Calentito she portrays the socio-cultural and political transition known in Spain as La Movida through the eyes of an unusual all-female rock-group. In Alma Gitana or Retorno a Hansala she gets in the shoes of characters from societies where women are clearly discriminated against. She has also tackled with the complexity of human relationships in works such as Poniente or Insomnio. We mustn’t leave aside the hilarious and ground-breaking Sexo Oral, a documentary that is not afraid to explore many taboos about sex and executed with utter freshness. Chus has worked diligently and efficiently with both small and large budgets; she is no stranger to self-production and she has also worked with top-level producers. However, everything that she has ever wanted to communicate has had priority over all other considerations. For many years now, she has championed the cause of the full professional development of women in film directing, indeed in all spheres of society. Hence, Cinema Jove has, beyond any doubt, wisely chosen this retrospective on the talented, authentic and courageous woman that is Chus Gutiérrez.

Piluca Baquero, Film Producer and Director of the Ronda Political Film Festival.  

PREMIO LUNA DE VALENCIA: JAN HARLAN

 

Aunque pareciera ser inevitable para Jan Harlan entrar de alguna manera en el negocio familiar de la realización fílmica –como parece que así ha sido, al echar un vistazo a su extraordinaria carrera como el productor que más tiempo ha trabajado con uno de los directores más aclamados en la historia internacional del cine-, en realidad él estaba felizmente realizando estudios de gestión empresarial en Nueva York, Zúrich y Viena. Su tío Veit, sin embargo, que fue uno de los más famosos, si no más reconocidos de los directores de cine alemanes, ganó el Golden Lion en Venecia en 1940 por Jud Suss, el melodrama financiado por la propaganda nazi; y su hermana Christiane consiguió un papel como cantante alemana en el drama anti-belicista Senderos de gloria en 1957. Poco después se casaría con el director, Stanley Kubrick.

Pero tendrían que pasar más de diez años antes de que Jan comenzara a trabajar para y con su cuñado e, inicialmente, fue en un proyecto sobre Napoleón que nunca se realizó (pero que recientemente se ha materializado en un libro prominentemente ilustrado de Taschen, que es más caro que las mesitas de café sobre las que reposa generosamente).  Esta colaboración terminó afianzándose en el tiempo y Jan se convirtió en asistente en La naranja mecánica -cuyo 40 aniversario acaba de celebrarse en el Festival de Cine de Cannes el mes pasado-. Luego trabajó con Kubrick en sus películas siguientes,  sugiriendo el tema Así habló Zaratustra para la banda sonora de 2001: Una  odisea del espacio  y convirtiéndose en un guardián literal de su llama cuando el solitario director murió tras visionar la edición completa de Eyes Wide Shut en su mansión de Hertfordshire, cerca de donde Jan sigue viviendo con su mujer María.

En el caricaturizado mundo de la producción hollywoodiense, Jan exhibe una presencia inusual, cultivada. Proveniente de Karlsruhe, es un cosmopolita que se siente igualmente a gusto en el mundo de la música y en el del cine, uno de los últimos verdaderos caballeros en el mundo del cine actual. Él mismo ha dirigido documentales expresivos y atractivos sobre Kubrick y sobre Dvorak; y supervisa con incansable energía los enormes archivos y las extraordinarias exposiciones comisionadas y creadas por todo el mundo hoy en día sobre la singular  obra cinematográfica de su cuñado. Profesor brillante en las escuelas de cine de todo el planeta, no solo transmite un entusiasmo inestimable por su material, sino que además despliega una inquisitiva curiosidad hacia los nuevos y jóvenes cineastas dondequiera que lo inviten, desde Durres en Albania a la Escuela de Cinematografía en una pequeña isla danesa.

Además, es un excepcional defensor del cortometraje y un entusiasta promotor del trabajo de  directores cinematográficos noveles. Difícilmente se podría encontrar a alguien que merezca más nuestra brillante Premio Honorífico Luna de Valencia,  ya que su contribución al arte y a la práctica del cine es evidente en cada proyección de cualquiera de las películas en las que ha trabajado (y entre ellas se incluye la que podríamos denominar película póstuma de Stanley Kubrick, A.I. Inteligencia Artificial realizada por otro maestro, Steven Spielberg). Pero Jan Harlan merece ser galardonado no solo por lo que ya ha conseguido, sino también por lo que continúa consiguiendo y por su incesante contribución al fomento de las carreras de los jóvenes realizadores de hoy en día. Transmite la riqueza de su experiencia con gran elocuencia y  con aún mayor encanto, humildad y humor. Digno representante de una extraordinaria familia de talentosos realizadores, le damos con gran alegría la bienvenida a la familia de Cinema Jove en 2011. Es un placer y un honor para nosotros entregarle la Luna de Valencia porque pocas personalidades brillan con tanta intensidad entre las sombras del cine de actual.

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Although it may have seemed inevitable for Jan Harlan somehow to go into the family business of film-making -as so it may seem now, looking over his extraordinary career as the producer working longest (during 30 richly creative years) with one of the most acclaimed directors in the history of world cinema- in fact he was happily pursuing studies as a business planner in New York and Zurich and Vienna. His uncle Veit, however, was one of the most famous, if not notorious, of German film directors, winning the Golden Lion at Venice in 1940 for Jud Suss, the Nazi-financed propaganda melodrama, and his sister Christiane won a role as a German singer in  the anti-war drama Paths of Glory in 1957 and shortly afterwards married its director, Stanley Kubrick.
But it was over a decade before Jan actually began working for and with his brother-in-law, and initially that was on a project about Napoleon that would never be realised (but has recently been turned into lavishly illustrated books by Taschen, that cost more to buy than the coffee tables on which they handsomely rest). But the collaboration in itself proved to be just as long-lasting, and Jan became an assistant on A Clockwork Orange (whose 40th anniversary has just been celebrated at the Cannes Film Festival only last month, as restored copies of the controversial masterpiece find new audiences around the world), and then worked with Stanley Kubrick on all his subsequent  films, suggesting the use of Also Sprach Zarathustra on the soundtrack of 2001: A Space Odyssey  and becoming a literal keeper of the flame when  the reclusive  director died days after viewing the completed edit of Eyes Wide Shut in his Hertfordshire mansion, close to which Jan still lives with his wife Maria.

In the caricatured world of the Hollywoodproducer, Jan Harlan cuts an unusual, cultivated presence. Hailing from Karlsruhe, he is a cosmopolitan, equally at home in the worlds of classical music as of cinema, one of the last of the real gentlemen in film-making today. He has himself directed expressive and engaging documentaries about Kubrick, and about Dvorak, and he oversees with unflagging energy the  huge archives and  extraordinary exhibitions curated and created around the world today from his brother-in-law’s singular film opera. A brilliant lecturer in film schools around the globe, he not only communicates a priceless enthusiasm for this subject, but displays a questioning curiosity for new and young cineastes, wherever he is invited, fromDurres inAlbaniato theEuropeanFilmSchoolon a Danish islet.

Indeed, he is also a rare champion of the short film, and an enthusiastic promoter of the work of fledgling film-directors. There could not be a more worthy recipient of our shining Luna de Valencia Honorary Award, for his contribution to the art and practice of cinema is evident whenever any of the films on which he worked are screened (and that includes what we may term Stanley Kunbrick’s posthumous film,  A.I., realised by another master, Steven Spielberg).But Jan Harlan deserves to be celebrated as well not only for what he has already achieved, but  for what he continues and continually contributes to encouraging  the careers of young film-makers today. He conveys his wealth of experience with great eloquence and even greater charm, humility and humour. A worthy representative of an extraordinary family of film-making talents, we welcome him with great delight to the family of Cinema Jove in 2011. It is an honour and a pleasure for us to honour him with the Luna de Valencia because few personalities shine so brightly in the darks of the cinema today.
 
Phillip Bergson

Michaela Pavlátová:Otra mirada hacia los matices de las relaciones humanas, el sexo y la experiencia de ser mujer.

Michaela Pavlátová es una gran artista, reconocida internacionalmente, y la dirección de filmes y su labor como animadora, son dos de las facetas de su versátil perfil creativo.

Heredera de la riquísima tradición de los Maestros de la Animación Checa, sus obras constituyen un buen ejemplo, de las estrategias que los artistas del Este desarrollaron, para cuestionar y reflexionar, sorteando la censura del régimen comunista. Una mezcla de ironía y humor negro, un deleite en lo absurdo y lo erótico, y el uso soberbio de la alegoría y las imágenes con gran valor simbólico, pero también y ahí su gran aportación, emocionantes, al centrarse Pavlátová en sus películas, en los intrincados matices de la vida doméstica y las relaciones humanas.

Los personajes de Pavlátová se rebelan contra las injusticias del amor perdido, la decepción y la traición, con una irreverente y conmovedora mezcla de elementos, que poseen una gran fuerza visual y un fuerte atractivo universal. Ella reconoce su herencia artística, pero juega y se arriesga con nuevos planteamientos estéticos y conceptuales. No le gusta repetirse y se reinventa a si misma en cada filme.

Sus animaciones son la manera en que la autora apuesta por hacer visibles las contradicciones y ambigüedades de los estereotipos de género. Las relaciones entre hombres y mujeres es un tema que aparece reiterativamente en su obra, con historias que se entrelazan, hábilmente matizadas por la actuación de los personajes y a su vez, experimentando con una gran variedad de estilos visuales, con imágenes y palabras que están cargadas de  simbolismo.

En el trabajo de  Pavlátová hay todo un lenguaje codificado de su visión femenina de las relaciones. Con el humor negro expresa la locura de los diversos vínculos afectivos: ya sean familiares o románticos. Se arriesga a traspasar el decoro que rodea a las sutilezas sociales, para revelar la oscuridad que todos llevamos dentro. Michaela Pavlátová  se nutre de observar la vida  y de su propia experiencia: contar a través de lo que ella conoce en profundidad, transformando lo que siente y piensa en imágenes en movimiento. Por este motivo, quedamos fascinados al ver sus obras, por la emoción que transmiten los personajes en su mirada. A Michaela Pavlátová lo que más le interesa es lo que sucede dentro de la persona, y que se trasluce en la forma de mirar, en los ojos, como si el tiempo se suspendiera en ellos, y de allí, nos fuera más fácil acceder al interior de los personajes.

Michaela Pavlátová, con su penetrante mirada hacia los matices de las relaciones humanas, el sexo y la experiencia de ser mujer, ofrece con su arte otra  perspectiva, que amplia y refresca la vía explorada por los grandes animadores checos, quienes han encontrado en ella una digna sucesora, para asegurar que su gran tradición continúa, aunque ahora también, desde la perspectiva femenina del mundo.

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Michaela Pavlátová:
A distinct look at aspects of human relationships, sexuality and the experience of being a woman.

Michaela Pavlátová is a great, internationally recognised artist; her work in film directing and animation are two facets of her versatile and creative repertoire.

She has been fortunate to draw from that rich tradition of the Czech animation Masters who developed creative strategies as did many former Eastern Bloc artists to overcome the censorship imposed by communist regimes. She combines irony and black humour while exploring the realm of the absurd and the erotic; at the same time she plays with haughty allegory and intensely symbolic imagery and hence her great filmic contribution. We are moved by Pavlátová’s approach to that intricate patchwork of everyday life and the complexities of human relationships.

The characters in Pavlátová’s works fight against the injustice of lost love, deception and betrayal; she uses an irreverent and moving blend of elements that offer a great visual impact as well as broad universal appeal. She duly recognises her artistic heritage but she is not afraid to play with and take risks in new aesthetic and conceptual approaches. She doesn’t like repeating herself and this explains her mission to reinvent the discourse in each new project.

By way of animations she seeks to unveil the contradictions and ambiguities of gender-based stereotypes. Aspects of relationships between men and women, at times in stories that intertwine, constantly reappear in her work: She excels at skilful character development, a broad deployment of visual styles, rich imagery and words pregnant with meaning.

Pavlátová’s work is characterised by a codified feminine language that interprets human relationships. She uses black humour to reveal the craziness of many love bonds, whether they be of family or romantic nature. She assumes risks as she casts aside the decorum that shrouds certain social subtleties to reveal the dark side within us all.  Michaela Pavlátová finds creative sustenance in the art of observing life and indeed, her own experience; hence she wants to communicate what is well-known to her by transforming what she feels and thinks into moving images. Perhaps this is why the film-going public is so fascinated with her work, fascinated with the look on the characters’ faces which hint at what is happening deep within. Indeed, Michaela Pavlátová is particularly interested in the characters’ facial expression, their eyes, as if time would suddenly get suspended on eyes that speak; surely it is a way of guiding the viewer more easily into the human depths of the subjects portrayed.

Michaela Pavlátová, with her intense look at aspects of human relations, sexuality and the experience of being a woman, offers another perspective with her creative discourse; her work builds upon and gives new vigour to the legacy of great Czech animators who have found in her a worthy heir. Continuity is hence assured continuity for the Czech tradition, though now also from a feminine perspective of the world.

Mª Susana García Rams

ENCUENTRO AUDIOVISUAL DE JÓVENES 2011

Tras la celebración del 25 aniversario, presentamos la nueva edición de nuestro Encuentro. Con ánimos renovados hemos programado cada detalle de esta cita, la más antigua de Europa, a la que concurren producciones escolares. Entre las casi 200 obras inscritas, componen un fresco que visibiliza los sueños e inquietudes de nuestros jóvenes. El conjunto nos da, como diría Godard: ‘un sentimiento del tejido o del río de la historia’.

Música, composición, diseño, actuación, narrativa, literatura… que el cine incorpore tantas otras formas de arte es, posiblemente, lo que lo ha convertido en el espectáculo más popular del mundo. Lo que pasa desapercibido para el ojo humano, lo que ningún lápiz, pincel o pluma es capaz de fijar, la cámara lo atrapa en el lenguaje universal de la imagen.

La fascinación actual de los jóvenes por el lenguaje audiovisual hace que la relación entre escuela y su entorno sea cada vez más estrecha. Si acercamos el foco a cada uno de los cortometrajes presentados vemos cómo cada una de las historias nos ofrece su particular visión del mundo. La necesidad de educar la mirada, de ser conscientes de que ver cine no es mirar la pantalla igual que leer no es deletrear, nos obliga a reivindicar una vez más el valor del audiovisual como medio educativo, artístico y cultural. Reforzamos así nuestra convicción en el cine como herramienta para motivar y complementar las diversas áreas curriculares.

El lenguaje audiovisual y la pedagogía de la imagen en el contexto educativo enfatizan más todavía si cabe el valor de lo colectivo, del trabajo en equipo, esencia misma de los productos cinematográficos. El cine es esencialmente un medio basado en la colaboración que requiere de un esfuerzo conjunto y tiene como resultado imágenes en movimiento que cuentan una historia, en la que todos los que aparecen en los títulos de crédito ganan. Estudiantes, profesores y público os habéis dado la mano en este gran esfuerzo conjunto, en el que se percibe la participación de todos y cada uno de vosotros. Como en cada edición del Festival Internacional Cinema Jove, el Encuentro Audiovisual de Jóvenes os ofrece a los jóvenes y futuros cineastas un espacio donde mostrar vuestras creaciones en un entorno de debate y reflexión.

En esta nueva edición del Encuentro los jóvenes creadores se convertirán, un año más, en los protagonistas de los más de 40 cortometrajes que serán proyectados. A través de este lenguaje que combina imágenes, palabras y sonidos nos cuentan, una edición más, historias desde su especial punto de vista sobre sus sueños, sus inquietudes y preocupaciones como ciudadanos y ciudadanas del mundo actual. Desde luego, no todos los cortos inscritos estarán en el programa del Encuentro. ¡Cada año nos ponéis más difícil la selección! Pero nuestro homenaje y reconocimiento desde esta presentación es para todos ellos sin duda.

Además del visionado de los cortos en las tres categorías, también nos hablarán del panorama audiovisual en la Comunidad Autónomade Cantabria. Por su parte  Josep Alcocer nos invitará a reflexionar sobre el papel de la música en el cine. Podremos además disfrutar de la proyección de El Gabinete del Doctor Caligari (Robert Wiene, 1920) con la música en directo del compositor y pianista Arsenio Martins. A través de esta obra del expresionismo alemán y de la música del conocido pianista podremos sentir como si nos encontráramos en una de las proyecciones de cine de los comienzos de su historia, donde la voz muda de los personajes era sustituida por la música instrumental en directo.

Como aperitivo relajante, el último día, se proyectará la película Bienvenido, Mister Marshall (Luis García Berlanga, 1953). A continuación, una edición más, disfrutaremos de la compañía teatral ‘Viviendo del cuento’. Con su actuación y la entrega de premios, cerraremos la 26ª edición del Encuentro Audiovisual de Jóvenes.

Pero antes de exclamar lo de ¡acción, se rueda!,  queremos agradecer desde la organización vuestra colaboración, complicidad, y felicitar al profesorado, estudiantes y familias por el trabajo realizado.

¡Bienvenidos todos a Valencia!

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2011 Audiovisual Programme for Young People

After celebrating the 25^th anniversary, we present the new edition of our encounter. With renewed energies, we have planned in great detail this event, the oldest of its type inEurope, in which school productions take part.  Nearly 200 works have been submitted, providing a rich mosaic of the dreams and interests of young people today. When taken as a whole, these works give us what Godard would call: ‘a sense of the texture or flow of history’.

Music, composition, design, performance, narrative, literature… It is perhaps because cinema brings together so many different art forms that it has become the world’s most popular form of entertainment. Things that the human eye fails to notice or which elude representation by the pen or the brush can be captured by the camera in the universal language of images.

The current fascination of young people for the audiovisual media has forged a strong relationship between their school and their general environment. In a close view we appreciate that every story contained within these short films presents a unique view of the world. We must remember that viewing cinema is more than just gazing at a screen, just as reading is more than spelling out letters: the eye must be trained and educated, and this is what makes cinema so valuable as an educational, artistic and cultural medium. These short films have strengthened our conviction that cinema is an excellent tool for motivating young people and for complementing many areas of the school curriculum.

Another educational asset of cinema is that it teaches the value of team work, which is an essential factor in cinematographic production. Films are the end result of collaboration, of a joint effort to produce moving images that tell a story, allowing all those who appear in the final credits to feel proud of their contribution. Students, teachers and audience  are all part and parcel of this combined effort, and each one can consider themselves an active participant. As in every Edition of the Cinema Jove International Film Festival, the Audiovisual Programme for Young People offers young people and future filmmakers the opportunity to exhibit their creative works in an environment of debate and reflection.

Once again this year, young artists will become the protagonists of the more than 40 short films to be projected. These films tell stories in the language of images, words and sound and each of them, from their own unique point of view, will shed light upon the dreams, interests and concerns of the citizens of the modern world. Naturally not all of the films submitted will be included in the program. Every year you make it more difficult for us to select the lucky few! In presenting these films we wish to recognise and pay tribute to the works of all those who have taken part.

Apart from viewing the short films in three categories, we will also hear about the outlook for audiovisual media in the region of Cantabria, and Josep Alcover will speak about music in cinema. We will also be able to enjoy the unique experience of watching the film The Cabinet of D. Caligari (Robert Wiene, 1920) accompanied by a live performance of the composer and pianist Arsenio Martins. By combining this work of German expressionism with the music of the famous pianist, we will be able to imagine we are attending a screening during the inaugural era of cinema history, when the silent voices of the actors were substituted by live instrumental music.

As a relaxing aperitif, the film Bienvenido, Mister Marshall (Luis García Berlanga, 1953) will be shown on the last day. Once again this will be followed by an entertaining production of the theatre company ‘Viviendo del cuento’. This performance, along with the awards ceremony, will bring the 26^th edition of the Audiovisual Programme for Young People to a close. But before we shout ‘lights, camera, action!’ the organisation wishes to thank you for getting involved, and to congratulate the teachers, students and families for the work they have done. Welcome toValencia!

 

Teresa Aguilar y Ángel San Martín

Premio un futuro de cine: Carlos Areces

Desde 1993, Cinema Jove viene concediendo el premio Un Futuro de Cine a actores jóvenes que, aunque por la lógica de la edad aún no cuentan con una dilatada filmografía, sí han logrado impresionarnos con su interpretación, han mostrado coherencia a la hora de encaminar su carrera, o han logrado construir personajes con una solidez inusual en personas sin larga trayectoria vital, lo cual hace sus interpretaciones más llamativas y sorprendentes.

En esta edición, el premiado es Carlos Areces. Su trayectoria en televisión es ya consistente, y resulta un artista de tal versatilidad (en distintas disciplinas, también en la música) que hacen de él uno de los actores jóvenes más ricos de nuestra cinematografía. O sin el ‘jóvenes’; es, en efecto, uno de los actores españoles más capaces y brillantes del momento. Nosotros, probablemente junto a gran parte del público, lo ‘descubrimos’ en el terreno cinematográfico en este último año. Si bien es cierto que había intervenido en otras películas, abordando siempre sus personajes con absoluta profesionalidad, creemos que Balada triste de trompeta marca un punto de inflexión en su carrera. La dimensión que logra dar a un personaje tan complejo, que en ocasiones funciona incluso a nivel simbólico, y la humanidad que le (y nos) transmite, hacen de su composición una de las más conmovedoras que hemos disfrutado en los últimos años. Y si nuestro criterio no fuera suficiente, en la fiesta de clausura del pasado Festival de Venecia (en el que la película de Álex dela Iglesia se alzó con los premios a mejor guión y mejor dirección) fuimos testigos de cómo el mismísimo Quentin Tarantino contaba a Areces sus impresiones ante su interpretación, deshaciéndose en elogios.

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Since 1993, Cinema Jove has been awarding the prize known as Un Futuro de Cine (A bright future in film) to outstanding young actresses and actors, who, due to their age, may still not have put together an extensive filmography. The awards are for people who have either impressed us with their interpretative skills, or have shown coherence in their career development, or have built up a character with such distinction that is unusual for persons with so much of a career path still ahead of them; these considerations make their interpretations all the more outstanding and surprising.

The prize this year goes to Carlos Areces; his career path in television is notably consistent, as is his versatility (he is creative in a number of disciplines including music) and he is hence considered to be one of Spain’s most gifted young actors. We may indeed remove the adjective ‘young’, as today he is frankly seen to be one of the country’s best talents in film. Just as movie-going audiences undoubtedly did in the course of the last year, we ‘discovered’ him on the screen.  Even though he has had parts in other films and has excelled in his interpretations, we believe that Balada triste de trompeta was a handsome turning point in his acting career.  He succeeded in building up a solid identity for such a complex character to the point of offering audiences an interesting symbolic dimension; his interpretation of the character was imbued with a humanity that moves us – indeed, one of the best in recent years. If by any chance, our criteria were to be found lacking, we can look back at the gala night for the closure of the last Venice Film Festival (where the film by Álex dela Iglesia won prizes for best screenplay and best directing); there we witnessed how none other than Quentin Tarantino himself was head over heels with the interpretation of Carlos Areces; Tarantino congratulated the young actor and couldn’t seem to find enough words of praise.

Herederos berlanguianos: la huella del genio en los cineastas de la Generación Cinema Jove

El pasado 13 de Noviembre fallecía Luis García Berlanga. Considerado el cineasta español por excelencia, su dimensión real excede tanto los límites de nuestras fronteras como los de lo cinematográfico: es uno de los grandes nombres de la cultura española del siglo XX.

Cinema Jove quería sumarse a cuantos homenajes se le vienen tributando en estos meses; numerosos vínculos, tanto profesionales como personales, nos unen a él. Sin embargo, queríamos a la vez evitar la repetición, la redundancia con otros homenajes y aportar algo distinto a lo que ya puede verse en otros foros. Y llegamos a la conclusión de que debíamos hacerlo desde el espíritu de Cinema Jove, cosiendo nuestro reconocimiento a esa identidad del festival que Luis estimuló y apoyó en tantas ocasiones. 

Por lo tanto, hemos optado por mostrar la relevancia de Berlanga desde su influencia en otros cineastas y, sin afán exhaustivo, decidimos hacerlo desde la generación de directores que ‘nacieron’ como profesionales al paso de Cinema Jove; podríamos hablar de una ‘generación Cinema Jove’. Y hallamos de manera más evidente la huella de este genio en cuatro cineastas, todos ellos con una fuerte personalidad artística, pero con la influencia clara y reconocida del maestro valenciano.

Álex de la Iglesia, Miguel Albaladejo, Óscar Aibar y Santiago Segura conocieron bien a Berlanga. Los tres últimos incluso colaboraron con él en distintas ocasiones. Y Berlanga les declaró, a su vez, su admiración. Hemos seleccionado una película por cada director, como se muestra en las páginas siguientes, pero podrían haber sido otras (Platillos volantes, en el caso de Óscar, o La comunidad, en el de Álex). De cualquier modo, esta herencia berlanguiana se traduce en la utilización de la comedia para hacer disección de las miserias y servidumbres de nuestra sociedad, a menudo partiendo de hechos históricos que retratan bien sus aspectos más mezquinos, y sometiendo con intereses colectivos la libertad individual. Con objeto de ahondar en estas cuestiones y en esa relación que tuvieron con Berlanga, proponemos este encuentro con los cuatro cineastas, en el que Plácido y El verdugo, joyas que condensan todo el cine berlanguiano, representarán la obra de nuestro inolvidable maestro.

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HEIRS OF BERLANGA: The Legacy of a Genius in the Cinema Jove Generation of Filmmakers.

Last November 13, Luis García Berlanga passed away. He is considered to be the quintessential Spanish filmmaker and his standing not only surpassesSpain’s borders but also the limits of the film industry itself. Without a shred of doubt, he was one of the key figures of Spanish culture in the 20th Century. 

Cinema Jove has decided, as have other bodies in recent months, to pay homage to his life and work. There are so many links, both professional and personal that bond us to him and his legacy. Notwithstanding this, we also wanted to avoid repetition for repetition’s sake. Conscious of other homage events and forums, we wanted to offer a new approach in his remembrance; we felt that we should honour him imbued in the spirit of Cinema Jove, by acknowledging his feats including the nurturing and stimulation of this festival -and all it stands for- on countless occasions. 

We decided hence to show the relevance of Berlanga in terms of how he influenced other filmmakers and, without going overboard on painstaking detail, we decided to honour him from the perspective of that generation of directors that ‘came of age’ as film professionals by participating in the Cinema Jove experience. We could speak hence, of a true ‘Cinema Jove generation’. We find the most evident influence of Berlanga in the careers of four filmmakers; each one has a strong artistic personality and, in his recognition, each one having the fortunate ability to drink from the fountain that was the Valencia-born Maestro.

Álex de la Iglesia, Miguel Albaladejo, Óscar Aibar and Santiago Segura knew Berlanga well. The latter three even worked with him on various occasions and Berlanga was only too pleased to declare his admiration of their work. We have chosen one film for each director, as is reflected in the following pages, even though other titles could have been worthy of consideration. (Platillos volantes, in Óscar’s case, or La comunidad, for Álex). In any case Berlanga’s contribution is all about the skilful use of comedy to dissect the petty miseries and small-mindedness of our society, often starting from a historical backdrop that fully portrays the meanest looks and putting collective interest before individual freedom.  He worked with the idea of how the short-sighted collective psyche could undermine individual freedom. With a view to exploring these questions and the creative relationship these directors had with Berlanga, we propose this sojourn with the four filmmakers. The films Plácido and El verdugo, jewels that condense Berlanga’s filmic legacy, will bear witness to the greatness of an unforgettable master.

CARLOS ARECES, UN FUTURO DE CINE

Con la 26 edición a la vuelta de la esquina, andamos cerrando en estos días la selección de películas que integrarán las dos secciones oficiales a competición, de largometraje y de cortometraje, y ultimando detalles del resto de la programación. Entre tanto, os adelantamos uno de los nombres propios que protagonizarán esta edición.

Carlos Areces recibirá el premio Un futuro de cine. Nos encontramos ante uno de los actores más completos de nuestro cine, cuya trayectoria televisiva resulta ya nutrida. En el terreno cinematográfico, sin embargo, aun con las experiencias previas, se nos revela como un intérprete de una solidez impactante en Balada triste de trompeta, la claustrofóbica película de Álex de la Iglesia. Como él mismo nos recuerda, “he abordado mi personaje en Balada… como todos los anteriores, no he hecho nada que no hubiera hecho antes”, pero sin duda esta película supone un punto de inflexión en su carrera. Fui testigo -hice las fotografías que comparto aquí- de cómo un Tarantino entusiasta se deshacía en elogios por su interpretación del payaso Javier en la película de Álex. Un momento de la fiesta de clausura del pasado Festival de Venecia, en la que Balada… se alzó con los premios al mejor guión y a la mejor dirección. Areces, desde luego, con un tremendo futuro de cine, y con un presente que lo garantiza.

Rafael Maluenda

EL ÚLTIMO DISPARO

Como la película de Anthony Mann, El último disparo, hoy se clausura la 25 edición de Cinema Jove con su último cartucho. Se pone colofón a una semana de intensa actividad, de mesas redondas a encuentros, luego al cine, a la noche en Viveros y finalmente unas copas para comentar la película.

Hoy se han dado a conocer también los premiados que está noche recogerán las Lunas. Cierta sorpresa en la reñida lucha por alzarse con la Luna de Valencia, que ha ido a parar a manos de Mall girls, la cinta polaca sobre las chicas de los centros comerciales. Y sorpresa porque se queda a las puertas la nueva y espléndida cinta de Vinterberg, Submarino, que a petición del jurado recogerá una mención especial.

En cuanto a los cortos ha sido el actor Alex Brendemühl y su trabajo Rumbo a peor el que ha recibido el premio gordo, la Luna de Valencia al mejor cortometraje.

Un palmarés ecuánime que tendrá como colofón la entrega de la Luna de Valencia a la trayectoria de Matteo Garrone.

Y es que Garrone ha cerrado la mañana con una rueda de prensa posterior donde ha hecho hincapié en la necesidad de un posicionamiento como persona para hacer películas vivas, de hablar de conflictos, de personas, de transformaciones, en definitiva de temas universales. Ha hablado de sus influencias, Rossellini en el caso concreto de Gomorra, así como grandes nombres de su país natal, Ferreri, Passolini, o verdaderos francotiradores mundiales como Polanski, Lynch o Kaurismäki, de los que ha dicho “todos cineastas que consiguen siempre sorprenderme”.

De la moda en Italia en adulterar el cine que se piensa solo para la pequeña pantalla, “Se hacen películas pensando en la televisión”, o ha recordado que entiende al productor, ya que él lo ha sido, y como una película suya, Ospiti, se estrenó en toda Italia en una sola sala y durante dos días.

En definitiva, Matteo ha tenido su último disparo, cuando ha intentado no mezclar política y cine, porque las películas que uno hace hablan de lo que es, y resaltando que: “Lo importante cada vez es encontrar el placer de hacer cine y divertirse”.

Grande Matteo.

gabkarwai

MANTENGAN LA RADIO ENCENDIDA!

El Séptimo Vicio es una puerta abierta al cine desde las ondas, desde la radio.

No es la primera vez que aterriza por aquí. Creo recordar que en el 2004 (o 2005) ya estuvo Javier y su equipo (tuve la suerte de estar participando en el programa con el grupo Polar) y me parecieron unos gourmets del cine.

El Séptimo Vicio, programa que dirige Javier Tolentino, vuelve de nuevo a Cinema Jove en estos 25 años, para hacer una gran fiesta donde tendrán cabida todos los grandes nombres que han pasado o están pasando por el festival de este año. Desde el incombustible Daniel Monzón, pasando por los cineastas franceses Olivier Ducastel y Jacques Martineau, y el esperado Matteo Garrone que aterriza hoy por Valencia. No sé pierdan este cóctel que, servido por Tolentino y su equipo, puede ser explosivo.

Bon profit.

gabkarwai

El programa de Radio 3 ‘El Séptimo Vicio’ se emite hoy desde el Ateneo Mercantil de Valencia de 17 a 18 horas dentro del marco del 25 Festival Internacional Cinema Jove.

Cuadernos de rodaje: Daniel Monzón (16)

 THE THING / LA COSA (1982), John Carpenter – 109’ / 2.20

Adoro a John Carpenter y “La cosa” es una de sus mejores películas. Más que su particular homenaje al maestro Hawks –en realidad lo fue “Asalto a la comisaría del distrito 13”- este es el remake menos remake posible. Supera al original con creces y se convierte en quintaesencia del cine de su autor. ¿Qué es la cosa? Ese ente plurimorfo, capaz de adoptar cualquier forma, imitarla, anularla y conquistarla… Metáfora abierta, como la propia película. Una de las obras de género más nihilistas, arriesgadas y soberbiamente ejecutadas del fantástico moderno. O mejor hablemos ya de clásico…

DANIEL MONZÓN

 

La cosa se proyectará en los Jardines de Viveros, el día 26 de junio, a las 22.30 horas, y en los cines UGC CINÉ CITÉ Sala 4, el día 25 de junio, a las 22.30 horas.